Fischietti Terracotta - Galleria Roma Siracusa

I decori ispano – arabi continuano ancora oggi ad abbellire gli splendidi manufatti, in cui l’artista lavora spesso a mano libera, di fatti, senza alcun disegno preparatorio. Il decoro risulta plastico, caldo, istintivo, lasciando esprimere liberamente l’artista.

Caltagirone nelle sue strade, nelle sue chiese, nella sua collina argillosa parla della sua storia ceramica che dura da millenni. Ci sono reperti archeologici risalenti al VII sec. a. C., si tratta di grandi recipienti e piccoli vasi, plasmati con un impasto grigio – nerastro e decorato con incisioni realizzate con bordi conchiglie, che vi disegnano schemi geometrici ed eleganti stilizzate figure umane o animali.

Altre ceramiche sono state rinvenute nei villaggi neolitici di Scala, Pille e S. Ippolito. Su questa tradizione si innestò l’influenza che i Greci ebbero sui Siculi con i quali commerciavano.

Furono i Cretesi ad es. che intorno all’anno 1000 A. C. introdussero in Sicilia l’uso del tornio, che rivoluzionò l’attività degli artigiani siculi. Tra le produzioni più significative di questo periodo troviamo il "Cratere a figure rosse" conservato presso il Museo della Ceramica di Caltagirone, che raffigura la scena di un vasaio che lavora assistito dalla dea Athena, alla tornitura di un pithos, ulteriore testimonianza di come a Caltagirone tale attività in quel periodo fosse diffusa e considerata prestigiosa.

Anche sotto la dominazione romana e bizantina le fornaci calatine continuarono a produrre manufatti che, per la loro qualità, rendevano evidente la crisi del sistema economico – sociale che attraversò la Sicilia e Caltagirone in quel periodo.

Con i Romani l’attività ceramica calatina subisce un forte tracollo, si limita alla produzione di laterizi e utensilerie grossolane. Ancora più marcata è la decadenza nel periodo bizantino.

Gli "stazzunari", come venivano chiamati gli artigiani per il lavoro svolto, non più nelle loro eleganti botteghe, ma nelle "stationes", posti di tappa delle truppe romane, producono ormai vasellame grossolano, privo di smalti e colori.

Furono gli Arabi, che conquistarono la Sicilia nell’827 ad innestarsi nella produzione locale, trasferendovi tecniche, forme e decori che rilanciarono l’artigianato ceramico e lo riportarono agli antichi splendori.

Essi, che avevano appreso in Oriente l’invetriatura la insegnarono agli artigiani calatini prima che si diffondesse nel resto dell’Italia. Anche le sagome e i decori furono legati alla dominazione musulmana e all’influenza che tale popolo esercitò in Sicilia anche oltre la riconquista cristiana dell’isola che sotto gli arabi torna ad essere il centro del Mediterraneo, luogo di scambi economici, punto di riferimento politico e culturale per l’intera Europa.

Le forme dei vasi si richiamano alla tradizione egizia e persiana e sono decorati su un ingobbio che va dal giallo paglierino al verdognolo con motivi geometrici o vegetali, graffiti o dipinti in verde o in manganese. I bacini hanno larghe tese decorate con trecce, archetti incrociati, motivi lineari, puntati internamente di verde ramina, giallo – arancio e talvolta blu slavato. I loro fondi sono decorati con rappresentazioni del mondo animale e vegetale, colombe, pesci, boccioli, rosoni, foglie ed il caratteristico motivo a cuori

concatenati, stilizzazione della palma, riscontrabile nel soffitto ligneo della Cappelle Palatina, il più alto esempio di arte siculo – musulmana – normanna.

Tale produzione prosegue nel trecento, con la venuta in Sicilia degli Aragonesi.

E’ un periodo di particolare floridezza per la città di Caltagirone. I privilegi concessi dalle dinastie regnanti, la fiorente attività degli apicoltori che furono fra i committenti più forti del vasellame prodotto in loco, la presenza di una colta e lungimirante classe aristocratica, ne fecero un centro opulento e culturalmente vivace. I maiolicai calatini videro, inoltre ampliare la loro capacità di penetrazione nei mercati, per il privilegio concessogli nel 1432 da Alfonzo d’Aragona, di poter vendere le loro maioliche in tutte le città demaniali del Regno con l’esenzione del pagamento dei dazi doganali.

L’artigianato di Caltagirone, che godeva già della possibilità di trarre da vaste cave d’argilla la materia prima del lavoro e dal vicino bosco di S. Pietro tanta legna per le loro fornaci, poté così riaffermarsi come il più importante e qualificato produttore isolano di maioliche. Esse per tutto il periodo del XVI e del XV sec. sono riccamente decorate in manganese, in alcuni casi con (..) e campiture in verde ramina.

La decorazione amplia la campitura a tutta o parte della superficie decorata. Lo smalto acquista maggiore corposità e vetrosità e ricopre, a differenza di quanto accadeva nella ceramica tardo – sveva, anche le superfici esterne del vasellame il cui supporto in terracotta, è però, più spesso e tornito con minore cura.

I decori sembrano richiamarsi alla festosa arte del tessuto e del ricamo siciliano, ma anche alla tradizione musulmana e catalana.

Gli artigiani calatini si dividevano per categoria, i cannatari producevano materiale stagnato, i quartarari producevano le quartare, gli stannuzzari producevano laterizi.

Ciascuna categoria aveva una propria confraternita e si concentrava in singoli rioni, di cui il più importante fu la "cannataria", posto fra la chiesa di S. Giuliano e la Giudecca, il popolare quartiere degli Ebrei, che certo furono gli artigiani più abili tra quelli che operavano a Caltagirone in quel periodo. Tra essi, il più antico ceramista della città di cui si è avuta conoscenza e che denuncia, come molti altri, con il proprio cognome Judica, l’evidente origine ebraica.

Una delle produzioni che affermò Caltagirone quale centro più importante della produzione ceramica in Sicilia fu, accanto a quello dei rivestimenti architettonici per i prospetti delle chiese e le cuspidi dei campanili, quella delle pavimentazioni, la cui evoluzione stilistica segue di pari passo quelle del vasellame e in più, in alcuni casi, si avvale delle progettualità degli architetti chiamati a costruire gli aristocratici palazzi e le monumentali chiese della città.

Tra questi certamente i Gagini, Antonuzzo, Antonio, Giandomenico e Francesco, che operarono a Caltagirone a cavallo tra il XVI e il XVII sec. e Natale Bonajuto, che nel XVIII sec. per primo cominciò a utilizzare la maiolica quale elemento di decoro nei prospetti di pubblici edifici.

Tra il XVI e il XVII sec. si riscontra anche nel vasellame una certa continuità nel decoro che si richiama alla produzione di Montelupo, sia pure interpretata dal gusto locale e dalle influenze catalane e musulmane.

Tale influenza è segnata dall’uso della palmetta persiana, decorata nella monocromia turchina, che qualche artigiano calatino ha imparato a Montelupo e poi ha riportato con se in Sicilia.

L’uso della palmetta persiana si evolverà intorno alla prima metà del 600 nel disegno,

tutto giocato nelle diverse tonalità del blu e del turchese, di un’ornamentazione floreale ricca e regolare. Ma a causa del devastante terremoto del 1693 che colpi la Sicilia Orientale, le botteghe furono rase al suolo così come le città con il conseguente tracollo dell’attività ceramica.

La poca produzione divenne scadente con decori a fogliame e colori slavati.

Ma gli artigiani si rimboccarono le maniche e diedero un nuovo impulso con l’uso di colori vivaci, decori fantasiosi ed estrosi.

Il 700 è infatti uno dei periodi di maggiore sviluppo della ceramica di Caltagirone vengono prodotti candelieri, vasi antropomorfi, lucerne, altari, balconate, rivestimenti per prospetti, acquasantiere, edicole sacre, bottiglie, versatoi, formelle per i dolci, cucche ed altro ancora.

Ma ciò che segna i caratteri distintivi della maiolica settecentesca di Caltagirone è la "decorazione plastica" applicata a gran parte della produzione di questo periodo, che sposata alla ricca policromia, segna l’età aurea della ceramica calatina.

A tale fulgore fa contrasto il veloce decadere del successivo secolo. Le fabbriche continentali fra cui quella di Napoli erano diventate competitive perché avevano adottato nuovi sistemi tecnologici.

Le loro produzioni grossolane e poco costose avevano soppiantato la ceramica di Caltagirone.

Gli oltre cento artigiani che operavano nei secoli precedenti si riducono alla fine dell’800 a soli sette "cretai".

Tra questi, Giuseppe e Celestino Di Bartolo, fratelli, che produssero vasi maiolicati da giardino e pannelli murali, Gesualdo Di Bartolo, figlio di Celestino, i suoi vasi, le sue anfore, i suoi piatti torniti e decorati con smalti da lui stesso preparati, sebbene del tutto estranei alla tradizione locale, sono un raffinato esempio della capacità artigianale che Caltagirone ha saputo esprimere nei secoli.

Di rilievo è la produzione Tardo – ottocentesca di terracotta per l’arredo di architetture.

Eccelse in questa attività la fabbrica Vella, cui si devono alcune cappelle gentilizie del locale, splendido cimitero opera di G.B. Nicastro, i prospetti della villa e della casa Cusumano.

E’ questa fabbrica l’ultima fornace della storia della ceramica di Caltagirone, che produce manufatti le cui definizioni stilistiche sono coerenti e si evolvono con quelle del proprio tempo.

A fronte della decadenza che segnò la produzione di maioliche si afferma a Caltagirone, e si diffonde in tutta Europa, l’attività dei "figurinai".

Loro capostipite è Giacomo Dongiovanni, erede della famiglia Bertolone che per secoli aveva dato alla città valenti artigiani, che rivoluzionò la tecnica di realizzazione delle figurine che già nel passato venivano realizzate nelle botteghe soprattutto quali soggetti presepiali.

Egli, anziché plasmarle per intero, rivestì le sue figure con sottili foglie della stessa argilla, ottenendo così un risultato di particolare verismo nella rappresentazione di scene di vita popolare.

Agli stessi temi s’ispirarono il nipote Giuseppe Vaccaro, che presto fu associato nella bottega dello zio, Francesco Bonanno, autore di particolare eleganza, Giacomo Azzolina, noto per le classicheggianti figure presepiali, padre Benedetto Papale, autore di minuscoli presepi e di curate scenografie veriste, e in tempi più recenti Giacomo Vaccaro figlio di Giuseppe, il suo genero Salvatore Sciuto, Giuseppe Nicastro che seppero rappresentare efficacemente il mondo popolare e contadino in soggetti, spesso dipinti a freddo o lasciati nel colore della terracotta. A loro si ispirano ancora oggi gli artigiani calatini.

Le ragioni della crisi ottocentesca, che avevano determinato la marginalizzazione dei manufatti calatini, ne hanno poi posto le premesse per una costante riaffermazione come prodotto di qualità.

Mentre, infatti, le fabbriche isolane e continentali sostituivano alla sapienza manuale la capacità tecnologica affidando le loro fortune alla produzione seriale, Caltagirone conservava il proprio patrimonio di esperienza artigianale e la memoria storica della propri a secolare tradizione attraverso l’istituzione delle Scuola e del Museo della Ceramica, che hanno dapprima difeso e poi rilanciato la ceramica calatina tutt’ora genuinamente ed esclusivamente legata alle capacità manuale ed allo spirito creativo degli artigiani, tornato ad essere il più numeroso e qualificato settore produttivo di Caltagirone che, così, ancora oggi di buon diritto può definirsi "Città della Ceramica".

oggi il termine corrispondente in lingua italiana è "figuli", come si usa chiamarli in Abruzzo e in Piemonte, "cucari" da cuco (ovvero uccello), in Veneto.

Sin dall’800 hanno operato a Caltagirone abili pasturari, rimasti tuttavia in penombra, oscurati dai grandi nomi della ceramica Calatina, ma come si è detto, oggi sono stati rivalutati e i giovani rianimati dal crescente interesse degli studiosi di arte popolare e dei collezionisti, stanno rilanciando il settore, con nuovo entusiasmo e nuove idee.

Ritornando ai pasturari è doveroso citare alcuni artigiani scomparsi, che hanno lasciato tracce inconfondibili della loro opera, sono principalmente Giacomo Judici, Salvatore Leone, Antonino Papale, Salvatore Graziano. Alcuni dei loro fischietti sono stati introdotti dal Loriaal Museo Etnoantropologico di Roma nel 1907.

Di lui ci parla con grande stima Sebastiano Burgarettail quale dice che il Loria gli acquistò sei figurine popolari da presepe da esporre al costituendo Museo Etnografico di Roma.

Il Loria sosteneva che queste rozze figure fossero destinate alle classi popolari meno abbienti e quindi prive di valore artistico. Ma grazie all’opera di ricognizione e rivalutazione di Giuseppe Pitrè e Antonio Uccello, svolta negli anni successivi, questi manufatti hanno assunto valore culturale profondo, proprio perché legato alle radici della terra di Sicilia.

Tra i fratelli, Giacomo era stato il più dotato e il più bravo, tanto che uscì dai ranghi di semplice stovigliaio e di tornitore, per cimentarsi nelle decorazione e nell’invenzione di modelli, che egli stesso realizzava, contrariamente a quanto affermava il Loria.

Ne sono prova alcuni pezzi unici conservati dai figli e due statue di proprietà della famiglia Nicastro del Lago, di Avola, ereditate dal nonno Carmelo Corsico, il quale le acquistò nel 1930 direttamente da Giacomo Judici.

Si tratta di due statue, alte 70 cm, eseguite a mano. Raffigurano un pastore che va in giro a vendere ricotta e formaggi nei tipici abiti contadini siciliani e una popolana elegantemente vestita. Degni di nota sono i tratti realistici del volto e il movimento impresso alla figura maschile, nonché la precisione dei particolari nell’abbigliamento popolare e sobrio, anche nel foulard annodato alla nuca della figura femminile, la quale sembra colta nel momento in cui, col grembiule pieno di qualcosa, si sofferma ad ascoltare, con la mano destra poggiata al fianco, qualche amica che le sta parlando. La bottega di Giacomo Judici, oltre che dai figli, era frequentata da tale Nicolò Sampirisi, un signore conosciuto da tutti a Caltagirone come "u pallunaru di Sant’Orsola", perché realizzava i palloni di carta velina colorata che si facevano innalzare al cielo nelle ricorrenze festive patronali. Egli andava nella bottega di Giacomo Judici per imparare a costruire i fischietti da vendere nelle fiere paesane. Nel passato, per motivi economici, la produzione di oggetti maiolicati era molto limitata, si eseguiva quasi sempre su ordinazione di committenti facoltosi, si che gli artigiani, per vivere dovevano dedicarsi alla produzione di oggetti d’uso quotidiano, ovvero di stoviglie che richiedevano una grande abilità nell’uso del tornio. Giacomo Judici quando ancora non era in commercio l’argilla preconfezionata, andava egli stesso ad estrarla dalle cave, per poi prepararla agli usi artigianali.

L’argilla sfaldata con il "mazzu", strumento di legno, veniva deposta nelle vasche scavate nel suolo e ridotta a poltiglia, poi impastata e amalgamata per ore con i piedi.

Sostenendosi con una corda, appesa al soffitto, lavoravano l’argilla con il movimento dei piedi finché non risultava liscia ed elastica.

Un altro momento che richiedeva maestria era quello della cottura nei forni a legna e della smaltatura. Egli stesso polverizzava piombo, stagno, silice, sabbia … per ottenere la polvere di smalto. Lo stesso procedimento di preparazione avveniva per i colori. Otteneva il verde detto ramata, dai frammenti di rame che avanzavano agli stagnari, aggiunti a giuste dosi di silice. Il giallo si otteneva dalla mescolanza di antimonio, ossido di ferro e piombo; il blu dall’ossido di cobalto e piombo con un po’ di silice. Spesso per motivi economici ricorrevano all’uso di batterie elettriche dimesse, per ricavare il piombo, per questo motivo le stoviglie di quel periodo hanno come colore di fondo il tipico giallo oro. Giacomo Judici costruiva da se i pennelli, usando crini di cavallo o mulo, raccolti nelle officine dei maniscalchi; sembra che li abbia usati fino a poco prima di morire. Oggi sono gelosamente custoditi dai figli.

Lavorava incessantemente fino a tarda notte, al lume dalla lucerna per costruire con gli scarti di argilla le sue figurine da presepe e i suoi fischietti, che gli servivano come integrazione del guadagno. Quando morì lasciò la sua bottega ai figli Salvatore e Mario che hanno lavorato insieme fino al 1968, anno in cui decisero di aprire ognuno una propria attività, dedicandosi a due rami artistici differenti: Salvatore, abile ceramista e decoratore, prediligeva lo stile classico amato e richiesto dalla borghesia, ma che gli poneva i limiti della ceramica commerciale, Mario ha sempre preferito lavorare con la ceramica popolare, come faceva il padre, ma cercando anche attraverso il passato nuove forme e decori compatibili con la tradizione. Alla bravura personale e al mestiere imparato da piccolo, si aggiunge la sua passione viscerale per la cultura popolare.

Nacque a Caltagirone il 13 Aprile del 1912, figlio di Mastru Michilinu u Nzfararu e nonna Anilina a Nnacchiaredda da cui deriva il soprannome Nnacchiareddu mal sopportato da Salvatore. Si ritirò già in seconda elementare per cominciare a lavorare come muratore, sua attività principale ma che non lo ha appassionato molto.

All’età di 18 anni ha incominciato a lavorare, come stovigliaio, nella bottega di Mastro Nino Abela dove ha impara a lavorare l’argilla e a fare fischietti rispettando severamente la tradizione sin dalla preparazione dei calchi. Usava stecche ricavate da canne e manici d’ombrelli che definiva a " lingua ri passiru ". Colorava le sue figure grossolanamente e fantasiosamente, facendo uso contemporaneamente di tecniche diverse,; spesso usava colori a tempera e smalti sullo stesso oggetto conferendogli una propria peculiarità. Preferiva usare colori puri, a suo dire, per attirare l’interesse dei bambini, a cui i fischietti erano destinati.

Con gli stessi calchi spesso realizzava anche le figure presepiali, basta osservare il fischietto del contadino a cavallo che è uguale a uno dei re magi che cavalca l’asino, si differenziano solo perché la coda dell’asinello funge da fischietto.

Il Loriaesaminando alcuni esemplari di fischietti del Leone scrisse: "I giocattoli riproducono in piccolo recipienti usati nelle famiglie o consistono in fischietti rappresentanti pasturari, gendarmi, animali ecc., fischietti che ricordano quelli della nostra Toscana, dove alle fiere dell’Impruneta se ne fa largo commercio". Oggi alcuni esemplari appartengono a collezioni private e sono esposti al Museo Etnografico di Roma: la Beata Lucia da Caltagirone, San Giacomo, Pesce, Testa mascherata, Testa femminile, Personaggio maschile a mezzo busto.

La sua vita non fu felice a causa di un lavoro che non lo soddisfaceva, dove non eccelleva e di una forte delusione amorosa, quando al ritorno dalla guerra scoprì che sua moglie si era unita ad un altro uomo.

Amareggiato si rinchiuse in un piccolo laboratorio non lontano dalla piazza centrale di Caltagirone, dove fino alla vecchiaia trascorse le sue giornate realizzando i suoi ultimi fischietti, "u Catarettu ", la "Natività," vari Santi, Madonne e personaggi storici come Napoleone, tutti eseguiti con la medesima manifattura. I calatini lo ricordano puntualmente presente insieme al fratello Giuseppe con la sua bancarella piena di fischietti colorati, davanti alla Chiesa dei Cappuccini per la festa dell’Addolorata e alla Chiesa della Madonna dei Miracoli per la festa di San Filippo.

Nei suoi pomeriggi divertiva gli amici anche con racconti spinti della sua vita, attraverso la sua povertà di linguaggio. Quando a causa della sua artrite peggiorò, il figlio lo portò con se a Modena dove, poco dopo morì. Salvatore Leone per chi lo ha conosciuto, è forse stato l’uomo più semplice del mondo ma che ha lasciato un’impronta indelebile nell’arte popolare.

Di lui ha parlato anche Antonino Uccello che, dopo lunghe ricerche nella campagna di Caltagirone finalmente riuscì ad individuarlo ed intervistarlo. Da lui ottenne informazioni sulla tecnica di preparazione dei fischietti con una dimostrazione pratica.

Antonino Uccello ha modo di constatare il procedimento severamente legato alla tradizione, così come S. Leone aveva appreso da piccolo, nell’antica bottega di Nino Abela.

Durante l’intervista del 15 Marzo 1977 che lo stesso Uccello fece a Mario Judici apprese che quest’ultimo si servì dei calchi e delle figure del Leone nella preparazione di alcuni fischietti.

Per quanto riguarda Antonio Papale, presso il Museo Etnografico di Roma sono esposti alcuni fischietti che dimostrano l’esecuzione accurata, con l’uso di pochi e vivaci colori, fra questi il Cristo Risorto il cui corpo bianco è avvolto da un panno rosso svolazzante, creando un contrasto cromatico molto interessante. Il manto dipinto di rosso, colore connesso al sangue, al martirio, ma soprattutto al potere legale, in contrasto con il bianco diafano del corpo rende questo oggetto particolarmente significativo dal punto di vista estetico.

I due fischietti rappresentanti San Giuseppe che tiene per mano Gesù Bambino, sembrerebbero ricavati dallo stesso stampo, ma ad un’analisi più attenta, si possono notare alcune differenze. Nel primo la fattura è più accurata: la veste è drappeggiata e inoltre l’artigiano, quando la creta era ancora fresca, ha modificato la posizione frontale dei personaggi, inclinando i due capi uno verso l’altro, infondendo una nota di dolcezza alla rappresentazione, alla quale concorre anche il grigio dei capelli e della barba del Santo. Il secondo fischietto è una replica semplificata del primo: le figure sono frontali e i colori distesi più sommariamente, una pennellata di nero sta ad indicare capelli e barba.

I due personaggi denominati con voce dialettale pupe, che rappresentano due giovani donne abbigliate con eleganza, sono ricavate invece da uno stesso stampo. Queste statuine ricordano alcune figure femminili che si possono ricavare dagli stampi di legno usati per la fabbricazione del formaggio; spesso gli artigiani siciliani si servivano,

per fabbricare i fischietti, di stampi destinati ad altri scopi, come per es. le formelle per la cotognata e per il bianco mangiare.

Oggi Mario Judici rimane se non l’ultimo, sicuramente fra i pochi pasturari calatini legati alla produzione tradizionale ceramica.

Figlio di Giacomo, è nato a Caltagirone nel 1928. I suoi studi si sono fermati alla scuola elementare per aiutare il padre stovigliaio nella bottega, dove ha conosciuto tutti i segreti dell’argilla, dall’estrazione alla preparazione in panetti, alla lavorazione, alla modellazione al tornio dove ha mostrato grande abilità.

Quando il padre morì nel 1950, lasciò la bottega in eredità ai figli Salvatore e Mario che hanno lavorato insieme fino al 1968, anno in cui decisero di intraprendere strade diverse, il primo ha preferito specializzarsi nelle produzione delle maioliche di tipo commerciale, il secondo ha seguito l’istinto di continuare sul filone della ceramica popolare, quella dei manufatti tradizionali come vasi fagotti, boccali, formelle per la cotognata, acquasantiere, figure da presepe e fischietti antropomorfi.

Il suo amore per la cultura popolare lo spinge nel 1972 ad acquistare un teatro di pupi siciliani con tutto il corredo scenico e il relativo repertorio di testi.

Mario Judici ha fatto una scelta fondamentale nel suo mestiere di ceramista: perpetuare le tradizioni antiche, restando fedele ai sistemi di produzione, alle tecniche, ai modelli, ai colori, ai ritmi di esecuzione tramandati nei secoli, con il risultato qualitativo che si può immaginare e che del resto è sotto gli occhi di tutti. I suoi lavori sono tutti pezzi da museo per bellezza e qualità. Il numero di pezzi è limitato, spesso sono richiesti all’estero e dai collezionisti o dai musei di fama internazionale.

La sua abilità è riconosciuta in tutto il mondo e premiata da enti pubblici ed esperti internazionali. Nel 1993 la città natale gli ha conferito il Premio Andrea Parini, durante la rassegna "Fischietti e Nuevo Mundo".

Lo studioso Salvatore Cardello dice che premiando lui, si è inteso riconoscere anche il ruolo determinante delle quattro generazioni della famiglia Judici, nel contesto dell’artigianato calatino dei cannatari che hanno prodotto e venduto le loro cretaglie alle classi popolari e meno abbienti.

Si parla di quattro generazioni di stovigliai; la prima presenza storica risale al bisnonno di Mario, suo omonimo, nato a Caltagirone nel 1812, che ha operato nella vecchia cannataria del quartiere San Giacomo.

La seconda generazione è quella del nonno Salvatore (1854-1930), la terza generazione del padre Giacomo (1866-1951). Il nonno e il padre lavorarono insieme nella bottega di S. Orsola. Durante la I Guerra mondiale Giacomo perse la vista di un occhio e questo lo infastidiva perché lo sforzo che doveva fare era enorme, nel 1951 morì lasciando ai figli Mario e Salvatore.

I due per scelta di produzione differenti si separarono. Mario abbandonò la vecchia collina di S. Giacomo per trasferirsi verso le nuove zone residenziali, al limite fra il vecchio passaggio a livello ferroviario di via Fontanelle e l’aperta campagna. Costruì una grandiosa fornace a legna simile a quella dei vecchi stovigliai ed iniziò la rischiosa riscoperta stilistica della quasi tramontata utensileria popolare siciliana. Incominciò a modellare vasi, acquasantiere, caraffe, borracce, di straordinaria bellezza, bassorilievi di Santi , Madonne, saimere, quartare. Oggetti ormai scomparsi dalle nostre case, ma che erano usati quotidianamente dalle nostre nonne, e nelle campagne. Ogni sposa siciliana, aveva nel suo corredo la catinella tinta di verde manganese e striata di bianco e il grande mastello, "u scitiddaru", per il bucato settimanale.

La scelta artistica di Mario è stata non priva di difficoltà perché si scontrava con tutto ciò che era commerciale, che era dettato dalle nuove richieste del mercato. La ceramica popolare fino a qualche decennio fa non era considerata ne forma artistica, ne era richiesta dal popolo come stoviglieria.

La determinazione nel continuare sulla strada che aveva scelto con amore, approfondendo il percorso popolare con ricerche e personalizzando i decori, alla fine, lo ha ripagato dei suoi sacrifici.

La sua produzione è caratterizzata anche dai famosi fischietti in terracotta ai quali si dedica con passione dal 1960.

Il suo repertorio comprende circa ottanta soggetti differenti, con prevalenza di figurine sacre. Recentemente ispirato all’arte fenice ha realizzato figure simbolo di festività e di abbondanza.

Molti fischietti della sua collezione sono presenti dal 1977 alla Casa Museo Antonio Uccello di Palazzolo Acreide, dove ho effettuato una rilevazione fotografica riportata di seguito. Altri pezzi si trovano presso il Museo Etnografico di Roma e in quello della ceramica di Faenza.

Anche Mario Judici per la produzione dei suoi fischietti si serve di calchi di gesso appartenuti al nonno e alcuni appartenuti a Salvatore Leone.

Antonino Uccello spiega così la costruzione del fischietto di Mario Judici: "Si preparano i calchi spargendovi sopra con una pezzuola della calce. Successivamente si distende la creta pressando con il pollice e l’indice. Si capovolge il calco in modo che la creta fuoriesca intatta, si ritocca con stecchi di bosco (bbùsciu) che hanno la forma di spadini, di circa 5 cm.

Si completano a parte, ove occorra, le braccia, la base, il fischietto o altri particolari che vengono eseguiti a mano. Il dispositivo sonoro misura circa 2,5 cm. e ha la forma di un becco: prima si pratica un foro verticale con un’asticciola di legno fino a metà spessore. Poi si conficca uno stecco di canna in senso orizzontale in modo da congiungersi col precedente orifizio, così completato, il fischietto si applica alla figurina e non appena si asciuga un po’, lo si prova se emette il suono desiderato. I vari pezzi vengono lasciati asciugare per un paio di giorni in bottega, poi vanno messi al sole per una mezza giornata. Successivamente vengono infornati e poi decorati a freddo

Collezione Mario Judici . Museo Etnografico di Roma

Mario Judici nel 1989 insieme al figlio Giacomo ha fatto dono al Museo di circa 80 fischietti che sono andati ad integrare quelli già raccolti nel 1907 dal Loria, (circa 15 pezzi, realizzati da Antonio Papale, Enrico Vella e Giacomo Judici). Degli 80 fischietti, 36 sono a soggetto religioso e i rimanenti a soggetto laico.

Nel Lazio, l’origine della lavorazione dei manufatti ceramici si può far risalire all’Alto Medioevo come continuazione delle attività figuline fin dall’età del Bronzo.

Difatti, i reperti archeologici sin qui rinvenuti confermano questa continuità storica.

Una ripresa dell’attività si è avuta nell’800 e fino ai primi del decenni del 900 che fu l’apice ma anche l’inizio della decadenza dell’artigianato autentico popolare.

La produzione laziale si può suddividere in due aree definite: l’area del Nord con la provincia di Viterbo e l’area del Sud con la provincia di Frosinone .

L’area sud del Lazio- Frosinone

Territorio in continuità culturale col sud campano e col confinante Abruzzo, è detto "Ciociaria".

Questa terra di contadini e pastori, è stata per tanto tempo, isolata a causa della mancanza di una rete viaria. Periodicamente, i commerci si svolgevano attraverso le fiere. Durante le festività natalizie, le fiere si arricchivano con i giocattoli in terracotta, fischietti,campanelle, e i presepi di Orpino, prodotti dai "cocciari".

I fischietti venivano venduti in gran quantità anche in occasione della festa del Crocefisso.

I centri di maggiore produzione erano Orpino, Pontecorvo, Veroli, Cepreano, Ferentino, Ceccaro, Gallicano, Sora.

Le tipologie più ricorrenti erano gli uccelli, i galli, i cavallucci, e i cavalieri con il cavallo a tre zampe.

Alcuni fischietti di produzione attuale si ispirano al passato. Osservando la fig.2 si può notare che il cavallo presenta tre zampe. Si tratta di un cavaliere appartenente alla produzione di Pignataro di Broccostella (Sora) attribuibile a Vincenzina Cantucci.

Il fischietto è modellato manualmente con incisioni che fanno emergere i particolari, ed è invetriato. Il modulo sonoro, con foro digitale, ha un’imboccatura svasata ed un’eccezionale potenza. La tradizione popolare colloca questo oggetto fra i doni offerti alle giovani spose con l’augurio fertilità e abbondanza. Infatti la terza zampa del cavallo rappresenta un "lungo fallo" simbolo di fecondità. Talvolta era aggiunto anche un cagnolino a simboleggiare "la fedeltà".

Per quanto riguarda la produzione attuale, a Sora troviamo il laboratorio di Paola D’Orazio e Roberto Tersigli. La loro attività nel campo dell’arte ceramica popolare, è volta al mantenimento delle tradizioni locali e alla loro diffusione anche tramite mostre.

In particolare, per quanto riguarda i fischietti, propongono le tipologie della zona di Sora e dell’area circostante.

Si può concludere dicendo che gli artigiani della terracotta, in questa parte meridionale della regione sono stati autentici portatori delle tradizioni popolari, avulsi da qualsiasi tentazione di tipo speculativo.

Autori: P. D’Orazio e R. Tersigni

Il territorio del Lazio Settentrionale, vide sin dall’antichità, il fiorire delle arti ceramiche e di attivi e fecondi centri sin dall’epoca etrusca.

In epoca medievale Viterbo e Orvieto rilanciarono la loro produzione rielaborando motivi ispano – moreschi, ma altresì attingendo alla tradizione e al gusto locale.

Alcuni di questi centri di produzione di terrecotte popolari viterbesi, si sono mantenuti attivi sin quasi ai nostri giorni.

Si ricordano Vetralla,Vasanello,Tuscanica, Acqua pendente, Civitacastellana, Bagnarla, Bagnoregio.

A Vasanello l’anziano Linceo Orlandi realizza ancora boccali, pignatte, salvadanai, servizi da tavola. Egli talvolta si serve delle argille del posto che impasta con le sue stesse mani per trarne coloriture diverse.

Produce anche i richiami da caccia , sia manualmente che a stampo

Altri artigiani di Vasanello sono Felice e Francesco Ricci che raccontavano che fino a cinquanta anni fa, si contavano ben 20 botteghe. (inserire figure)

Francesco, nipote di Felice prosegue la sua attività caparbiamente. E’ l’ultimo dei vecchi artigiani, la sua bottega è una grotta, dove pare che il tempo si sia fermato.

Nei pressi di Vetralle, lavora una giovane artigiana, Vincenzina Benedetti , dove conduce a livello familiare un negozio di terrecotte popolari appartenenti, per lo più, ad una produzione del centro Italia.

L’artigiana si sta orientando ad una produzione di fischietti di sua creazione.

A Sutri si trova la bottega di un altro giovane artigiano, Giovanni Ornoni che realizza fischietti ad acqua e fischietti che rappresentano le maschere della commedia dell’arte, Ornoni proviene dalla scuola della bottega dei fratelli Ricci di Vetralle.

Infine a Roma, lavora un’altra artigiana, Elena Annichiarico. Il padre era maestro ceramista di Grottaglie, trasferitosi nella capitale negli anni 70, produceva terrecotte d’uso e presepi. Egli faceva trasportare l’argilla a cavallo da Monte Mario.

Nei primi anni 80, decise di chiudere la fornace.

Nell’immagine 31 si può notare un fischietto di produzione del padre, si tratta di un quadrato ripiegato in 4 parti con al centro, un foro, che la figlia ha riproposto.

Lazio Nord - Vasanello (VT )

Autore: Linceo Orlandi

Nei primi anni del 900, in Italia, grazie alla sensibilità di alcuni antropologi di nuova fama come il Loria, il Pitrè e Uccello è iniziata una laboriosa ricerca nelle campagne, nelle case dei contadini e del popolo, di tutti quei manufatti destinati a scomparire, sostituiti dall’avvento dei prodotti tecnologici, e in particolare della plastica. Con perizia e ricerca analitica hanno documentato usi, costumi e quant’altro facesse parte del mondo popolare coscienti del profondo cambiamento che stava travolgendo la società italiana in generale. Antonio Uccello ebbe però un’intuizione geniale, capì che tutti questi oggetti raccolti dovevano avere la giusta collocazione, ovvero bisognava ricreare l’ambientazione originaria, così che la camera da letto doveva avere i suoi mobili i suoi soprammobili, i suoi santuzzi, la sua "conca" per riscaldarsi, ecc. il frantoio doveva avere il suo torchio, le sue vasche, ecc. Da qui la necessità di trovare il luogo adatto a raccogliere "la cultura del passato".

Il Loria prima di Uccello collaborò alla nascita di un museo di entità nazionale, dove appunto vennero raccolti oggetti di cultura popolare provenienti da tutte le regioni d’Italia. Si tratta del Museo Etnoantropologico di Roma.

A Palermo grazie al Pitrè ne è stato istituito un altro, ma quello più vicino a noi ,e alla cultura della Sicilia Orientale è il Museo Etnoantropologico A. Uccello di Palazzolo Acreide

Per quanto riguarda l’esclusiva raccolta di fischietti in terracotta, recentemente il Veneto, precisamente Cesuna ha visto la nascita del Museo dei Cuchi; anche la Puglia con Rutigliano ha il suo museo di fischietti; anche la città di Caltagirone che vanta un’antica tradizione nella costruzione di fischietti ne ha chiesto uno che tarda ad arrivare.

SICILIA

Casa Museo A. Uccello - Palazzolo Acreide

Il Museo era l’abitazione privata di Antonio Uccello, un’ala del Palazzo Ferla che egli acquistò nel 1960,con il preciso intento di collezionare al suo interno tutti gli oggetti, testimonianza di un mondo in declino, di un passato neanche tanto lontano, bistrattato dalla voglia di modernizzazione.

Antonio Uccello poeta e antropologo, nacque a Canicattini Bagni (Sr) nel 1922. Appena ventenne, maestro di scuola, emigrò in Brianza e forse lì senti forte il richiamo delle sue radici. Il forte interesse per le tradizioni popolari e la constatazione della rapidità con cui tutto diventava superato, inservibile e conseguentemente dimenticato e distrutto, lo portava a ricercare con la moglie Anna Caglione durante le vacanze trascorse in paese, tutto quanto fosse legato alla cultura popolare: usi, tradizioni, oggetti. In un trentennio, dall’ultimo dopoguerra in poi, Uccello, in parallelo alla sua attività letteraria, organizza fra la Sicilia e Milano, numerose mostre su temi popolari, spesso accompagnate dalla produzione di cataloghi. Il bisogno di " salvare la memoria delle arti e tradizioni popolari siciliane" per Uccello era diventata una preoccupazione giornaliera.

Il genere umano, da millenni aveva usato per la creazione di utensili, materiali provenienti dal mondo vegetale e animale. La scoperta dell’elettricità, l’invenzione di materiali sintetici e di sofisticati macchinari, rompono drasticamente una consuetudine millenaria. Entra in crisi con essa una cultura tradizionale che fonda le sue radici nella vita di antiche aggregazioni umane. La vita economica esige rapporti produttivi non più legati a naturali avvicendamenti temporali, tipici ad esempio, dei lavori agro – pastorali. Ritmi diversi irrompono nelle comunità, minano consuetudini sociali, economiche, affettive e religiose da tempo radicate. Subentrano tempi legati alla competitività ed alle ricchezze prodotte dalle innovazioni tecnologiche.

I nuclei familiari e gli individui rimangono isolati, solitari, privi di comunicazione viva e reale.

Sono costretti ad emigrare. Le massaie tessitrici e i loro telai tradizionali da cui producevano preziosi corredi, i contadini fabbricanti dei loro attrezzi, i pastori produttori di formaggi, i cestai, i calzolai produttori di scarpe, i carbonai, i carradori abili costruttori di carretti, le ricamatrici, i sarti, i cerai, i ferrai, i sellai, e tanti altri lavori artigianali che aggregavano nelle case piccole comunità, spariscono.

Un "Museo vivo" per Antonino Uccello significava una casa per ricreare, con l’ausilio di oggetti – memoria l’antico gusto di queste aggregazioni perdute. Inaugurato ed aperto al pubblico nel 1971, il Museo è stato, dopo la morte di Antonino Uccello, acquistato nel 1983 dalla Regione Siciliana e oggi diretto dal dott. Gaetano Pennino.

La sede museale

E’ un’ala di Palazzo Ferla, edificio realizzato, su fabbriche preesistenti, dopo il terremoto del 1693 nel quartiere dei Mannarazzi dove esistevano le mannare, ovvero i recinti per gli ovini.

Al piano terra vi sono gli ambienti del massaro, l’uomo di fiducia del proprietario che si occupava dell’amministrazione delle proprietà, della custodia dei raccolti e degli animali e dei rapporti con gli affittuari.

Stalla, frantoio, cucina, camera da letto, casa del massaro sono alcune delle stanze ricreate con meticolosa cura. Gli oggetti sono infatti disposti in maniera simbolica e c’è proprio tutto: teatro dei pupi, giocattoli, carretti, pitture su vetro, presepi, ceramiche fischietti.

In alcune occasioni, si svolgevano all’interno della casa, rappresentazioni di scene di vita del passato.

Antonino Uccello metteva dentro la casa persone che sapevano svolgere mestieri antichi, per animare il ricordo di queste attività. Così per le feste patronali, c’era chi preparava dolci tradizionali, chi filava e chi tesseva.

Lo studioso era anche affascinato dalle festività legate alle feste patronali. Amava la festa di San Paolo protettore dei contadini.

L’attuale direttore della Casa Museo, Gaetano Pennino, durante un seminario alla Facoltà di Lettere e Filosofia, racconta Antonio Uccello poeta, e soprattutto l’interpretazione poetica che dava agli oggetti considerati non solo parte integrante di una cultura, ma soprattutto messaggi poetici.

VENETO

Museo dei Cuchi di Cesuna

Spostandosi dal Sud al Nord, l’appassionato del fischietto non può fare a meno di visitare il Museo dei Cuchi di Cesura, nato nei primi del 900 per la passione profonda di un privato. La collezione comprende oltre 10000 pezzi provenienti da tutto il mondo e molti esemplari antichi.

La maggior parte dei suoi pezzi proviene dalle botteghe artigiane e dalle sagre popolari della Romania, dell’Andalusia, della Russia, del Lussemburgo (dove la tradizione è talmente viva da avere scelto un fischietto come emblema del paese per la serie di carte dedicate alle capitali dell’Euro) o per restare in Italia, dal Veneto, Piemonte, Puglia, Sicilia e Sardegna (Assemini e Cabras).

Il patrimonio artistico conservato presso il Museo Civico della Ceramica di Nove –Veneto, viene impreziosito dalla interessantissima collezione di fischietti generosamente donata da Nino Athos Cassanelli.

Sono soggetti provenienti da tutto il mondo che permettono di creare una prima sezione di arte popolare specifica su questi manufatti.

La preziosa raccolta Cassanelli offre l’opportunità di esporre per temi e per soggetti e quant’altro si possa stabilire come motivo di confronto, oggetti di varia provenienza, a testimonianza di realtà etniche diverse.

Sono esposti 1300 pezzi provenienti da tutta l’Italia, dall’Europa e da paesi dell’Est Europeo.

Lo sguardo di Cassanelli si è proiettato anche verso l’Oriente dove ha acquisito otto cuchi dell’Afganistan, sei della Cina, uno dell’India e tre dell’Indonesia.

Ci sono ancora esemplari del Sud America, Argentina, Brasile, Cile, Ecuador, Guatemala, Messico, Perù. Dal Kenia, provengono due fischietti, includendo così anche il continente africano.

Nino Athos Cassanelli (1929 - !999).

Moncalieri (To) - si tiene in piazza la Mostra de fischietti nel mese di Ottobre.

Rutigliano (Ba) - 17 Gennaio in occasione della festa di S. Antonio Abate, si tiene la Mostra Concorso. Ogni fidanzato è solito regalare alla sua amata un cesto di frutta, simbolo dei frutti della terra, con dentro un fischietto a forma di gallo, simbolo di virilità.

Ostuni – Dall’1 al 31 Agosto si tiene la Rassegna Nazionale del Fischietto.

Vicenza – Canove di Roana – si è tenuta la 7° Biennale Internazionale del Fischietto con Concorso per il miglior fischietto. Hanno partecipato 200 artisti provenienti da tutto il mondo.

Treviso – Asolo – si tiene la Sagra dei Cuchi nel mese di Maggio.

Caltagirone – dal 1988 fino al 2003 ha organizzato annualmente le sue rassegne sui fischietti di terracotta.

Rassegna dei Fischietti

· Le prime due edizioni del 1988 e del 1989 sono state dedicate ai Santi con il fischio.

La terza edizione aveva come tema la satira contro il potere ed i potenti, e furono presi di mira gli allora ministri Andreotti e Spadolini scelti per le locandine.

L’edizione del 91 affonda la sua ispirazione nelle favole dell’infanzia e Riccardo Biavati affida al nasone del suo Pinocchio in gres, la locandina pubblicitaria.

L’edizione del 92 è stata dedicata ai Paesi dell’Est con la tanto desiderata " libertà". Nella locandina è raffigurata una deliziosa bambolina in porcellana fischiante dell’ungherese Marian Ben ed in lontananza le moscovite cupole di San Basilio proiettate in un augurante alone di azzurro.

Il 93 vede protagonisti i paesi del "Nuevo Mundo" a cui si fa riferimento con l’immagine di una variopinta foresta amazzonica.

L’edizione del 94 è dedicata ai personaggi del circo. La locandina raffigura un solitario ed elegante chapiteau da circo equestre, che volutamente nasconde i protagonisti del più grande spettacolo del mondo.

Nell’edizione del 97, Rino Ansaldi, s’ispira a Rosseau nell’immaginare un suo particolare Eden per rendere omaggio alle donne con un’estetica figura femminile che suona il flauto al centro di un’incontaminata foresta tropicale.

Nel 98 si trae ispirazione dal mondo musicale al quale è dedicata la rassegna per rappresentare un angolo rinascimentale di musici alle prese con trombe, viole, cembali e flauti.

Il 99 vede protagoniste le maschere, viene rappresentato un trittico di maschere, blu, bianca e gialla nelle varie espressioni istrionesche.

L’edizione del 2000 è dedicata all’Anno Santo. Viene usata come immagine una simbolica processione medievale di ispirazione raffaellesca.

La tredicesima edizione del 2001, inaugura il nuovo millennio con l’immagine surrealista di - Renè Magritte – di un ciclista volante appeso alla mongolfiera, che in un cielo stellato saluta l’arrivo del nuovo secolo.

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